Virgilio Villoresi is a Milan-based videomaker.

He moved from a beautiful but a bit frustrating Florence to find the perfect outfall for his works in Milan. But defining him between these two Italian cities is quite reductive. He travels, maybe more with his mind than physically, and the result is outstanding. The first time I found myself in front of Virgilio’s works I took my time to realize what exactly was happening, because I think there is really a parallel dreamlike world and if you don’t pay enough attention you’ll find yourself in a puppet costume, being moved by the master’s skilled hands.

Actually there is a virtual world, a parallel dimension where the artists meet each other, it’s like making an astral travel, a dream where you can create whatever you want with who you want with and it doesn’t matter if you’re in Rome, Paris or New York. The first place is the mind itself, then there is the magic of the Net and we, from Reykjavik Boulevard, go with the flow in this infinite Web of possibilities. What I want to say that without knowing it, we perceived a little drop of Virgilio’s creativity inside our Spring Issue 2014, featuring Virginia Mori’s work.


Want to know how and why these two artists are linked to each other? Just read this inspiring words.

Where are you from Virgilio? How do you relate yourself to you hometown?

I was born in Florence… I have a conflicting relationship with this city, from one side I really love it because of its aesthetic qualities and for the atmosphere you can breathe in certain districts of the Old Town… from the other side, on a professional level, it has never given to me the possibility to “sell” my creative sphere.

Where do you leave now? Are you inspired by this place? Does it tickle your inspiration somehow?

I now live in Milan. Between me and the city I live there is a fluidic exchange that evolves in a constant encroachment. The place enriches my fantasy with a new dimension, the cultural and the aesthetic ones. I for example love to linger on the details while I walk down the road… Few days ago I was watching the gates of the houses and I found some of them wonderful, especially the ones from the Deco Era… Those forms are soaked of the urban feeling which inspires them, a real source of inspiration / an obsession to create abstract sceneries.

Where do you think your work is most appreciated?

According to the statistics of Vimeo is in Japan, hundreds of thousands of Japanese have seen and appreciated my work. Then United States, England, Russia…

Which are, in your opinion, your strengths? Do they overlap with the points of view of the people you work with?

My strengths are the capacity to improvise during the making of the shoot and the mass of the visual ideas I have during the creative process. The improvisation doesn’t coincide with the vision of the people I work with, the watchers, because they want everything written down before the shoot starts… but they really trust my creative proposal. Usually they leave me the blank paper. I’m lucky in this sense because a lot of costumers want to associate the name of the brand to my name, to my style.

Which is the fundamental difference between your personal works and the commissioned ones?

Of course the creative freedom. My personal works are deeply linked to the shade of the symbolistic dimension of the dream and to the a bit childish imaginary. My personal creations have an effusive and a disturbing atmosphere, a bit ferocious cheerfulness that relates them to the circus. The commissioned works, instead, are related to the brand’s image and to the brief’s request in the pre-production phase. Basically the production of a short art movie is jauntier, easier, less pachydermic, less aggravated by the impediments; you feel less the heft of the responsibility, so you can disentangle yourself with more freshness, with more spontaneity. 

Would you like to show us one of your videos that represents you most as an artist?

I’m really bound to all the videos I made… “J” by the way remains, maybe, the video that made me grow up more… I moved from the animated 2D collages of Frigidaire to the idea of making a 3D more linked to the cinematographic language.

How do you decide, if this is you who decides, to appear in one of your videos? And how do you feel being 100% inside the images you create?

I think that this is a really natural decision, almost a necessity, an interpretation of the what I call “acting”. My presence gives me comfort, it reassures me, it makes me feel extremely protective towards my ideas, towards my scene rig up. Then I love Jacquest Tati’s and Buster Keaton’s movies… maybe in this way it influences my cinematographic unconscious. 

How much time, circa, does it take from the birth of an idea to the end of its realization?

It depends on the type of the video, it takes around three weeks from the start of the production… even if some of my ideas remain inside my notebooks for months, years. I write continuously what comes into my mind, visual tricks, suggestions, songs that inspire me, etc… Sometimes they stay, moveless for a long time, then suddenly they come out, I half-close an eye and I see them under a new light, they appear mutable to me, iridescent according to the technical difficulties they will go up to, so I reuse them.

Which is the most complex element regard the realization of your animated stories?

The most complex element is the frame which you cannot perceive between two taken pictures. It’s there that happens the magic of the animation, in between, in what you cannot see. It’s right this distance that creates the movement. And another element is of course the time, as the stop-motion has its own very dilated rhythms… If you visit a set, you will notice that the animators are like fishes inside an aquarium, abandoned to a constant feeling of waiting.

Have you ever made a different style video? And, as you mentioned before, there is some kind of evolution in your creations. Which one?

There is always something between me, my style and the evolution of my creations… I wanted to preserve this distance on the monitor to suggest that process of decanting which, with the passage of the time, performs in my fantasy for which the images I propose, my cinematographic ideas appear in a phantasmal, floating dimension.

Would you like to outline some of your future projects?

I’m creating animated books for children / adults. The last of my works is entitled “Vento” (Wind), made with Virginia Mori and edited by Withstand Book. The images in this book move thanks to the Ombro Cinema, a Victorian era’s technique.

And something that made you proud of yourself in this recent period?

The Cannes Lions nomination for the videoclip “Submarine Test January 1967” with the music by John Mayer. This video gave me the international visibility and new work contacts, especially with the United States and France… Then the release of my book “Vento”, it made me feel a bit like a child, when I loved playing with the pop-up books by Vojtech Kubasta.

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Intervista a Virgilio Villoresi, testo e traduzione Nina Sever


Di dove sei, Virgilio? Come ti rapporti con la tua città di origine?

Sono nato a Firenze… ho un rapporto un po’ contrastante con questa città, da un lato la amo molto per le sue qualità estetiche e per l’atmosfera che si respira in certi quartieri del centro storico… da un altro lato a livello professionale non mi ha mai dato la possibilità di “vendere” la mia sfera creativa.

Dove vivi adesso? Ti ispira come luogo? Sollecita in qualche modo la tua ispirazione?

Adesso vivo a Milano. Tra me e la città in cui vivo c’è uno scambio fluidico che si risolve in uno sconfinamento costante. Il luogo arricchisce la mia fantasia di una nuova dimensione, quella culturale e estetica. Per esempio amo soffermarmi sui dettagli mentre cammino per strada… L’altro giorno osservavo i cancelli delle case e ho trovato alcuni di questi meravigliosi, soprattutto quelli del periodo deco… Sono forme intrise del sentimento urbano che le ispira. una vera fonte d’ispirazione / ossessione per creare scenari astratti.

Dove credi sia apprezzato di più il tuo lavoro?

Stando alle statistiche di Vimeo in Giappone. centinaia di migliaia di giapponesi hanno visto e apprezzato il mio lavoro. Poi Stati Uniti, Francia, Inghilterra, Russia…

Quali sono, secondo te, i tuoi punti forti? Coincidono con la visione delle persone con cui lavori?

I miei punti forti sono la capacità di improvvisare durante la lavorazione delle riprese e la mole di idee visive che ho durante il processo creativo. L’improvvisazione non coincide con la visione dei fruitori perché vogliono che sia scritto tutto prima dell’inizio delle riprese… però si fidano molto della mia proposta creativa. Di solito mi lasciano carta bianca. Sono fortunato in questo senso perché molti committenti vogliono associare il nome del brand alla mia firma, al mio stile.

Qual è la differenza fondamentale tra i tuoi lavori personali e quelli commissionati?

Ovviamente la libertà creativa. I miei lavori personali sono profondamente legati all’ombra della dimensione simbolista del sogno e ad un immaginario un po’ bambinesco. Le mie creazioni personali hanno un’atmosfera fracassona e inquietante, un’allegria un po’ feroce che le imparenta al circo. Quelli su commissione sono invece legati all’immagine del brand e alle richieste del brief in fase di pre-produzione. Fondamentalmente la produzione del cortometraggio d’autore è più spigliata, più agile, meno pachidermica, meno aggravata da zavorre; senti meno il peso della responsabilità e quindi puoi districarti con più freschezza, con maggiore spontaneità.

Ti va di indicarci il tuo video che ti rappresenta di più come artista?

Sono molto legato a tutti i video che ho realizzato… “J” comunque rimane, forse, il video che mi ha fatto crescere di più… sono passato dai collage animati in 2d di Frigidaire a un’idea di messa in scena tridimensionale più legata al linguaggio cinematografico.

In base a cosa decidi, se sei tu a decidere, di apparire in uno dei tuoi video? E come ti senti a essere al 100% nelle immagini che crei?

Credo che sia una decisione del tutto naturale, quasi una necessità, un’interpretazione di quello che per me significa “acting”. La mia presenza mi da conforto, mi rassicura, mi fa sentire estremamente protettivo nei confronti delle idee, dei trucchi che metto in scena. Poi amo i film di Jacques Tati e Buster Keaton… in questo senso forse mi influenza anche il mio inconscio cinematografico.

Quanto tempo passa, in media, dal parto di un’idea alla fine della sua realizzazione?

Dipende dal tipo di video, più o meno tre settimane dal via della produzione… anche se alcune idee rimangono nei miei taccuini anche mesi, anni. Scrivo in continuazione ciò che mi viene in mente, trucchi visivi, suggestioni, brani musicali che mi ispirano, ecc… A volte stanno lì fermi per molto, poi all’improvviso vengono fuori, socchiudo un occhio e le rivedo con un’altra luce, mi risultano mutevoli, cangianti a seconda delle difficoltà tecniche a cui andranno incontro, e cosi le riutilizzo.

Qual è l’elemento più complesso riguardo alla realizzazione dei tuoi video animati?

L’elemento più complesso è il frame che non vedi tra due fotografie scattate. È lì che avviene la magia dell’animazione, nel mezzo, in quello che non vedi. È proprio questa distanza che crea il movimento. Un altro elemento è sicuramente il tempo, visto che lo stop-motion ha dei ritmi dilatatissimi… Se vieni su un set ti accorgi che gli animatori sono come dei pesci dentro un acquario, abbandonati a un costante sentimento di attesa.

Hai mai realizzato video con uno stile diverso? E, come accennavi prima, esiste un qualche tipo di evoluzione nelle tue creazioni. Quale?

C’è sempre qualcosa tra me, il mio stile e l’evoluzione delle mie creazioni… Ho voluto conservare questa distanza sullo schermo a suggerire quel processo di decantazione che, col passare del tempo, si svolge nella mia fantasia per la quale le immagini che propongo, le mie idee cinematografiche appaiono in una fantasmatica, fluttuante dimensione.

Ti va di accennare a qualche tuo progetto futuro?

Sto realizzando libri animati per bambini / adulti. L’ultimo mio lavoro si intitola “Vento”, realizzato con Virginia Mori e edito da Withstand Book. Le immagini di questo libro si muovono grazie all’ Ombro Cinema, una tecnica del periodo vittoriano.

E qualcosa che ti ha reso orgoglioso del tuo percorso di recente?

La nomination a Cannes Lions per il videoclip “Submarine Test January 1967” con la musica di John Mayer. Questo video mi ha dato visibilità internazionale e nuovi contatti lavorativi, sopratutto con Stati uniti e Francia… poi l’uscita del mio libro “Vento”, mi ha fatto tornare un po’ bambino, quando amavo giocare con i libri pop-up di Vojtech Kubasta.

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